Skip to content
Menu
EducaLab
  • Contacto
EducaLab
25 de noviembre de 201923 de octubre de 2022

Las obras de arte que más me han impresionado

Todos sabemos que el arte nos causa emociones, y que por algún motivo inexplicable, algunas nos gustan e impresionan más que otras.

En mi caso, hay muchas obras de arte que me gustan, muchísimas. Pero hay un número de obras muy reducido que no sólo me gustaron, sino que causaron un profundo impacto en mí. Se trata de una lista muy corta de obras que, al estar frente a ellas, me causaron un reacción emocional difícil de describir con palabras.

Lo más curioso es que en muchos casos fueron obras que a priori no me gustaban especialmente. Algunas nunca me habían llamado la atención cuando las veía en fotografías o las estudiaba en clase. Pero en persona la sensación fue completamente diferente e inesperada.

Tabla de contenidos

Toggle
  • Estas son las obras de arte que más me han impresionado:
    • David (1501-1504), de Miguel Ángel
    • Las señoritas de Avignon (1907), de Picasso
    • Vieja friendo huevos (1618), Diego Velázquez
    • Calendario solar azteca (entre los siglos XIII y XVI), anónimo
    • Para terminar:
    • Sigue leyendo:

Estas son las obras de arte que más me han impresionado:

David (1501-1504), de Miguel Ángel

El David de Miguel Ángel es una de las obras de arte más famosas del mundo

La historia de cómo fue esculpido el David es bastante célebre. Fue un encargo de la ciudad de Florencia para Santa María del Fiore. El enorme bloque de mármol estaba abandonado en las obras de la catedral porque ningún artista había querido o sabido utilizarlo, hasta que llegó Miguel Ángel y lo eligió para esculpir el David. Durante dos años trabajó en la escultura sin descanso, incluso durmiendo a su lado. La esculpió directamente con cincel, sin modelos previos en yeso.

Miguel Ángel decía que la escultura estaba dentro del bloque, él sólo tenía que sacarla. Se guió por la forma del mármol para elegir la postura y la forma de la figura. Finalmente no se colocó en la catedral, sino en la Piazza della Signoria, aunque ya no se encuentra allí sino en la Galería de la Academia. Esta obra redefinió la imagen del David bíblico (algo que también haría después con la Creación de Adán en la capilla Sixtina) y es uno de las obras cumbre del Renacimiento florentino.

Cuando vi el David tenía sólo 15 años y estaba de viaje por el norte de Italia con mi familia. Fue la primera vez que me emocioné al contemplar una obra de arte. Recuerdo entrar en la Galería de la Academia en Florencia y ver el David al fondo del pasillo, iluminado bajo una cúpula. Lo que más me impresionó fue que era enorme, más de cuatro metros de altura, algo que no te imaginas al verlo en una fotografía. La perfección de la figura y la fuerza de su expresión son difíciles de describir con palabras (la famosa terribilitá de Miguel Ángel).

El lugar en el que está expuesta tiene algunas otras obras de la etapa tardía de Miguel Ángel, aunque nada tan especial como el David. Aún así, si vais a Florencia y tenéis que elegir qué sitios visitar, la Galería de la Academia es un imprescindible.

Las señoritas de Avignon (1907), de Picasso

Las señoritas de Avignon es el primer cuadro cubista. Hay cierto debate en torno a quién inventó el Cubismo, si fue Picasso o Braque, ya que los dos exploraron esta forma de representación juntos y al mismo tiempo. En cualquier caso, las Señoritas de Avignon se considera «el primer cuadro cubista» y definitivamente esta obra tendría una trascendencia fundamental para el arte del siglo XX.

En él vemos a una serie de mujeres, en teoría prostitutas en un burdel, desnudas y rodeadas por cortinas rojas. Picasso rompe con la perspectiva y la representación tradicional que había caracterizado a la pintura occidental durante siglos. Reduce las figuras a líneas duras y formas geométricas en dos dimensiones. Destacan las caras, que asemejan máscaras de diferentes culturas antiguas: egipcia, íbera y africana. El cubismo hizo una recuperación estética y apreciativa del arte de diferentes culturas del mundo, que durante mucho tiempo se habían considerado «primitivas». Picasso en particular utilizó la idea de las máscaras africanas para desarrollar sus retratos.

Cuando el cuadro estaba terminado, Picasso se lo enseñó a algunos amigos cercanos. A todos los presentes les produjo un gran impacto y a la mayoría no le gustó. Fue un shock para ellos ver una representación tan radicalmente diferente a lo que se había hecho hasta el momento. Picasso guardó el cuadro y no lo exhibió públicamente hasta 1916. No le pondría título hasta 1920. Acabaría vendiéndolo unos años después al diseñador y coleccionista francés Jacques Doucet.

Esta obra fue para mí una absoluta sorpresa. Siempre que la veía en fotografías me resultaba indiferente y no terminaba de entender por qué era tan famosa y celebrada. Me gustaba mucho la obra de Picasso, pero esta obra no me decía nada cuando la veía en imágenes. Así que no me esperaba para nada la impresión que me causó verla en persona.

Actualmente el cuadro forma parte de la colección permanente del MoMA de Nueva York. El cuadro es enorme y tiene una fuerza espectacular. Una cosa que pienso que no captan bien las fotos es su color. Las fotografías del cuadro muestran unas tonalidades rosas un poco exageradas, pero en persona no tiene ese color. Es más beige y marrón. Es un cuadro enorme- casi 2.5 metros de alto- y tiene una cualidad magnética. Las caras de las mujeres te atrapan, su expresividad y el dinamismo de las posturas hacen que no puedas dejar de mirarlo.

Fue una lección interesante para mí el comprobar que algunas obras de arte no se pueden entender en una fotografía, y que la sensación que te causan en persona es completamente distinta. De nuevo, si vais a Nueva York, no dejéis de visitar el MoMA. Aunque la entrada es cara, los viernes por la tarde hay acceso gratuito.

Vieja friendo huevos (1618), Diego Velázquez

La Vieja friendo huevos es una obra temprana, cuando Velázquez la pintó sólo tenía 19 años y aún vivía en Sevilla. Es un bodegón, tal y cómo se entendía el bodegón en sus inicios. El bodegón surgió en los Países Bajos en el siglo XVII y al principio no era exactamente la representación de una serie de objetos sobre una mesa, como son las naturalezas muertas. El bodegón estaba asociado a escenas de cocina donde aparecían ollas, platos, jarras y alimentos, a veces aves, pescado o carne en bandejas, todo crudo para ser cocinado. En estas cocinas repletas de comida podía aparecer gente humilde, normalmente sirvientes.

Holandeses, genoveses y flamencos llenaban las calles de Sevilla cuando era puerto de Indias, alentando la venta de obras de arte y trayendo las tendencias artísticas de sus lugares de origen. Los bodegones eran populares en Sevilla en esta época y Velázquez hizo varios entre 1617 y 1622. Este tipo de cuadros no eran meras representaciones de espacios domésticos y personajes populares. Bajo una apariencia banal, solían contener significados alegóricos, morales y religiosos.

La presencia de la comida suele hacer referencia a la volatilidad y fugacidad de la vida: todo es temporal, todo se pudre y se estropea, todo pasa y muere. Más tarde estas referencias serían más obvias en las Vanitas, las naturalezas muertas donde aparecían calaveras y relojes de arena.

Cuando vi esta obra, vivía en San Francisco. Llevaba un par de meses allí y me sentía bastante sola. Entré a ver el De Young Museum por primera vez, vi que tenían una exposición temporal de las National Galleries of Scotland y me animé a entrar a verla. Había visto la publicidad de la exposición y tenía buena pinta, pero no esperaba que hubiese un Velázquez nada más entrar (al lado de un Botticelli y un Vermeer, ni más ni menos).

Cuando vi la Vieja friendo huevos me quedé pasmada. ¿Cómo es que no era la imagen de cabecera en la publicidad de la exposición? ¡Si era lo mejor que tenían! Una mezcla de emociones se apoderó de mi y al sentirme tan lejos de casa y ver una obra de Velázquez de manera inesperada me sentí instantáneamente conectada con ella, como si fuese un pedacito de mi hogar que no esperaba encontrar allí. Me puse a llorar como una magdalena de la emoción y me pasé un buen rato admirando la obra e imaginándome a Velázquez 400 años antes, justo delante del mismo lienzo que ahora miraba yo.

El arte tiene la capacidad de forjar nuestra identidad y de hacernos sentirnos conectados con nuestra historia y nuestro lugar de origen. A veces tenemos que irnos lejos de casa para darnos cuenta de nuestra identidad y una obra de arte puede recordárnoslo.

Calendario solar azteca (entre los siglos XIII y XVI), anónimo

Cuando Hernán Cortés entró en Tenochtitlán por primera vez, la capital de los aztecas, se encontró con una civilización en pleno esplendor. Los mayas ya eran conocidos por los españoles, pero era diferente porque en ese momento la civilización maya ya llevaba mucho tiempo en decadencia. Los aztecas, sin embargo, estaban en la cima de su poder militar, cultural y político y habían construido una magnífica ciudad en el lugar más improbable: en mitad de un lago. México-Tenochtitlán era una ciudad de canales y contaba con un espectacular recinto sagrado cuyo centro era el Templo Mayor, dos templos gemelos sobre una pirámide.

Era aquí donde originariamente se encontraba el calendario solar. Esta piedra representa la cuenta del tiempo de los aztecas, que dividían la historia en 5 soles: los cuatro primeros soles más el Quinto Sol, la era en la que vivían los aztecas. La deidad central podría ser Tonatiuh, el dios del Sol en la mitología nahua.

Los anillos que rodean al centro son un calendario que indica los 13 meses de 20 días que formaban el año sagrado de 260 días. El calendario sagrado de 260 días y el civil de 365 coincidían una vez cada 52 años, por lo que los aztecas medían el tiempo en ciclos de 52 años de manera parecida a nuestros siglos.

Es algo complicado entender todas estas medidas de tiempo, pero si por algo se caracterizaban las culturas mesoamericanas es por la importancia que el tiempo y los calendarios tenían en sus creencias (seguro que os acordáis del fin del mundo que anunciaba el calendario maya en 2012).

Vi el calendario solar cuando estudiaba en México durante un semestre de intercambio en la universidad. La piedra del sol se encuentra en el Museo Nacional de Antropología en la capital del país. El museo contiene varias salas enormes dedicadas a las civilizaciones de México, la más espectacular y amplia de las cuales es la de los aztecas. La piedra está sobre la pared al fondo de la sala y me quedé anonadada al ver que es una bestia de 3.60 metros de diámetro. Yo siempre había pensado que medía algo así como medio metro, no me podía imaginar la impresión que causaba verlo en persona cuando es una pieza tan grande.

La iconografía azteca es bastante espeluznante, la mayoría de la esculturas y relieves son representaciones asombrosamente realistas de serpientes gigantescas, de sacrificios humanos, calaveras y corazones sangrantes. Es una cultura muy alejada del arte occidental,y por ese mismo motivo a mi siempre me ha parecido fascinante.

Para terminar:

Este post ha quedado mucho más largo de lo que yo esperaba así que he tenido que partir mi lista por la mitad. La semana que viene publicaré la segunda parte, con otras cuatro obras.

¿Cuáles son las obras de arte que más os han impresionado?

María Castro Jiménez

Educadora de museos e investigadora sobre color, estética y cognición.

Sigue leyendo:

Las obras de arte que más me han impresionado (2) Breve guía para entender el arte conceptual El expolio y los museos Arte y poder: una historia del color púrpura

1 thought on “Las obras de arte que más me han impresionado”

  1. Pingback: Las Obras De Arte Que Más Me Han Impresionado (2) - EducaLab

Deja una respuesta Cancelar la respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Este sitio usa Akismet para reducir el spam. Aprende cómo se procesan los datos de tus comentarios.

Categorías

  • Arte (14)
  • Creatividad (4)
  • Educación (6)
  • Educación en museos (4)

Búsqueda

educa_lab

🗒️ Un proyecto de María Castro Jiménez
🏛️ Educación en museos
🎨 Investigación sobre color y pigmentos
🧠 Arte, estética y evolución cognitiva

Estoy investigando sobre pigmentos en la India y e Estoy investigando sobre pigmentos en la India y estoy aprendiendo cosas nuevas sobre el amarillo y el naranja (entusiasmada por abandonar un ratico el negro sombrío de Occidente). 

🍊Buscando información sobre su valor simbólico en la cultura india, me topé con este dato: el origen de la palabra “naranja” está en la India, no entre los árabes, como yo pensaba. 

🍊Como en muchas otras ocasiones, conceptos y términos que nos llegaron a través del árabe tienen un origen más antiguo y lejano. La palabra hizo un viaje mucho más largo para llegar aquí: de la India a Persia, al imperio islámico, y cruzó todo el Mediterráneo hasta nosotros.

🍊 Curiosamente, la palabra significaba originalmente “azafrán”, la misma especia que usamos en la paella. El azafrán tiñe de color naranja, por lo que parece un caso de transferencia de significado: del color de la especia a la fruta, y de la fruta al color en sí mismo. 

#naranja #color #azafran #naranjo #árabe #persa #india #sánscrito #tamil #orange #alandalus #edadmedia #historia #históriamedieval #etimología #lenguaje #tintesnaturales #historiadeloscolores #colornaranja #cultura #patrimonio #legadoandalusí
Hace años que colecciono imágenes para mi carpet Hace años que colecciono imágenes para mi carpeta de Historia de los Colores en Pinterest, que ya cuenta con más de 550 pines sobre pigmentos, tintes, vestuario, arte, arquitectura, química, estética, tradiciones, rituales, plantas y flores: desde una boda India (rojo), a la ropa de los tuaregs (azul), la Semana Santa (púrpura) el luto de las reinas de Francia (blanco), el día de muertos en México (naranja), a Barbie (rosa) o Uluru en Australia (ocre), la historia de los colores es la historia de las culturas del mundo. 

Link en mi bio 🌈

#historiadelarte #pigmentos #estética  #arqueología #arquitectura #pintura  #cultura #simbolos #historia #moda #arte #color #escultura #historiadelmundo #tintes #rojo #verde #negro #blanco #amarillo #naranja #azul #rosa #purpura #ocre #culturasdelmundo #historyofcolour #colour #pigments #dyes
Hay pocos colorantes antiguos que hayan pasado a l Hay pocos colorantes antiguos que hayan pasado a la historia por su durabilidad y resistencia. El azul maya, una receta que hasta hace poco era un misterio (y aún es una recreación tentativa) tiene una fascinante historia química, ritual y simbólica. Era un pigmento sagrado conectado con el dios Chaac, el dios maya de la lluvia y la tormenta ⚡️🌧️

#mayas #azul #azulmaya #mayanblue #mesoamérica #pigmentos #colorantes #mitología #rituales #chaac #americaprehispanica #Mexico #historia #historiadeloscolores #arqueología #química #arqueologíaexperimental
Hice esta infografía hace unos meses y quedó bon Hice esta infografía hace unos meses y quedó bonita. Al tener un formato alargado no se puede compartir bien en ningún sitio (fallo mío), pero la he dividido en tres para publicarla aquí. 

Mi idea era explicar la paleta de Velázquez de manera concisa y visual. Si queréis verla completa, está publicada en mi Substack “Pigments, Colors and Other Stories” (link en mi bio). Y si queréis un post completo sobre el tema, lo tengo publicado en la web: educa-lab.es (también en la bio). 

#velazquez #lasmeninas #pigmentos #pigments #historyofcolors #paletadecolores #pintura #barroco #barrocoespañol #pinturabarroca #diegovelázquez #pintores #historiadelarte #química #color #painting #baroquepainting #pigmentpalette #spanishart #history 
#17thcentury #museodelprado #artpalette #modernart #europeanart #museumeducation #coloreducation #coloreducator
He hecho una paleta de acuarelas para mi géminis He hecho una paleta de acuarelas para mi géminis favorita @sofiperoto ❤️‍🔥 

Los dos ocres oscuros los he hecho yo desde cero, recogidos directamente de una veta de ocre. El resto los he comprado en Ámsterdam. Estoy bastante contenta con el resultado de mis ocres, porque me han parecido incluso más pigmentantes que los de tienda 🤩 El proceso de hacerlos ha sido totalmente artesano, por suspensión en agua y dejando que se evapore hasta que solo quedan las partículas más finas. Por fin le he dado uso a las conchitas recogidas en la playa durante años 🐚😁

La paleta es de una tabla de madera que tenía en casa. Los aglutinantes goma arábiga (que se ha secado mucho y muy rápido) y agua miel. He usado dos tipos de miel y las dos han sido súper humectantes, hasta el punto de que no se han secado después de días. No sé si habría que combinar un poquito de ambas para conseguir el punto medio 🤔

#pintura #acuarelas #acuarelasartesanales #pigmentos #aglutinante #ocre #hechoamano #pinturaartesanal #experimentoscaseros #diy #colors #ochre #azulcobalto #ocreamarillo  #terraverde #blancodezinc #russiangreen #ercolanoblue #chalkviolet #tierranegra #materialesartisticos
¿Por qué desapareció uno de los tintes más fam ¿Por qué desapareció uno de los tintes más famosos de la historia? 🐚

#purpura #fenicios #antiguaroma #tinte #imperioromano #imperioromanodeoriente #constantinopla #bizancio #iglesiacatólica #edadmedia #historia #historiamedieval #caídaconstantinopla #imperiobizantino #vestimenta #historiadeloscolores #kermes #rojo  #rojocardenal #vestimentaeclesiástica #imperiootomano
La goma arábiga es la resina de las acacias. Actu La goma arábiga es la resina de las acacias. Actualmente la más usada es la de las acacias del África subsahariana. Es un aglutinante habitual en las acuarelas y el gouache. También se usa como adhesivo para papel (ese bordecito dulce de los sobres), en varios productos alimenticios (caramelos, vino), y al parecer también es un componente de los fuegos artificiales 🎆

Es soluble en agua y para utilizarla de aglutinante primero hay que dejarla un rato en agua hasta que se deshace la bolita. Se puede comprar en polvo, en líquido (el más habitual para usos artísticos) y en crudo como muestro aquí. Compré un paquete de 100 gramos en mi último viaje a Ámsterdam porque me gustan los materiales en estado natural (y es más divertido hacer los potingues desde cero).

La he utilizado como aglutinante para mi experimento de pigmento + aglutinante en la prehistoria (post anterior) porque estaría disponible en la Edad de Piedra Africana como resina vegetal. Otra opción sería la miel (que funciona igual de bien y es un conservante natural), pero no creo que en la prehistoria se usara como aglutinante, o no habitualmente. Lo más probable es que se la comieran antes que usarla para pintar. Era un recurso demasiado bueno como alimento 🍯

Si queréis experimentar con resinas vegetales, no tenéis que comprar goma arábiga. Podéis ir al campo y buscar si algún árbol tiene resina (como los almendros). 

PS: si tenéis mascotas, cuidado con dejar estas mezclas cerca. Mi perra intentó comérsela 😂 porque huele dulce, un poco a caramelo 🍬

#gumarabic #gomaarabica #aglutinante #pigmentos #pintura #prehistoria #stoneage #paleolitico #pinturarupestre #experimentoscaseros #adhesivo #binders #prehistory #acacia #resina #resinavegetal
La semana pasada en Sierra Mágina estuve debatien La semana pasada en Sierra Mágina estuve debatiendo con varios arqueólogos si la pintura rupestre llevaba o no aglutinante. 

Mi respueta inmediata fue que sí. Nunca había pensado que fuera sólo pigmento en polvo porque un pigmento en polvo no aguantaría 30.000 años en una pared… ¿o sí? 

Estuve considerando la posibilidad de que se hubiera integrado con la pared como una especie de fresco. Para un fresco se prepara la mezcla y se pinta aún en estado húmedo, de manera que al secarse, el pigmento se fusiona con la pared y es casi indestructible (por eso los frescos duran tanto). 

¿Sería esto lo que pasaba en una cueva? Que yo sepa, no había una imprimación de la pared, aunque la unión de la humedad y la formación de cal podrían hacer un efecto similar…o quizás no. No hay prácticamente estudios sobre esto porque es difícil tomar muestras. Lo poco que se conoce es pintura que estaba guardada para usarse, pero no sobre pared (y sólo conozco un caso en Sudáfrica en el que se usó leche como aglutinante). 

De todas formas, sigo pensando que casi siempre habría un aglutinante (el carbón podría ser una excepción). Y he hecho algo que llevaba tiempo pensando: un pequeño experimento con los tres pigmentos típicos de la prehistoria: 
dos ocres (óxido - rojo - e hidróxido - amarillo - de hierro) y una tierra negra que compré hace poco pero no estoy 100% segura de su composición, aunque diría que tiene manganeso, que es un pigmento habitual en la prehistoria. 

He usados dos aglutinantes: grasa animal (manteca de cerdo) y resina vegetal (goma arábiga). Unos están expuestos al sol, y otros en penumbra permanente. La superficie es piedra caliza, y hay una placa de la pared de una cueva (tipo estalagmita). Veremos cómo envejecen. 

#pigmentos #arterupestre #experimento #pintura #tecnología #prehistoria #aglutinante #ocre #paleolítico #arqueología #investigación #pigments #ochre #prehistory #stoneage #stoneagetechnology #paint #rockart #experiment #binders
El Parque Megalítico de Gorafe es un yacimiento a El Parque Megalítico de Gorafe es un yacimiento arqueológico en torno al cauce del río Gor, en Granada. Es una #necrópolis gigantesca donde se han encontrado 242 #dólmenes, muchos de ellos tumbas colectivas. Una auténtica “ciudad de los muertos” casi al estilo egipcio.

Las tumbas van desde en #Neolítico a la Edad del Bronce, durante la cultura de El Argar, por lo que este sitio fue un lugar de enterramiento durante muchos siglos. Hay varios tipos de dólmenes, desde los más simples a algunos mucho más grandes, con formas y losas distintas.

La mayoría de las tapas superiores, que eran losas enormes y muy pesadas, se han quitado o se han partido, por eso todos los dólmenes están a la vista. Los caminos alrededor de las antiguas tumbas están llenos de piedras enormes que son los restos de estas “tapas”. 

En muchos se han encontrado ajuares funerarios de piedra y hueso (cuchillos, puntas de flecha y hachas), y cuentas de collares, conchas perforadas y punzones de hueso. 

El parque es gratuito y tiene varios senderos bien marcados para ver los dólmenes. Eso sí, algunos terrenos están muy inclinados y hay que subir algunas cuestas complicadas (y bajarlas). Pero hay otros más planos y accesibles. El paisaje desértico impresiona, y las montañas son muy bonitas, con esas manchas rojas de óxido de hierro.

Es un sitio espectacular y poco conocido. Siempre digo que no le damos difusión a la cultura y el patrimonio en España. Llevo toda la vida viviendo relativamente cerca de este sitio y lo descubrí por 1ª vez hace dos meses. Si una de las necrópolis prehistóricas más grandes de Europa estuviera en otro sitio, ya habríamos visto 4 documentales, 10 conferencias y un volumen de National Geographic en exclusiva 🙄

Os animo a visitarlo. No os olvidéis de usar protección solar, zapatos cómodos y llevar mucha agua 🌞🧴👒🧃🎒🥾

#dolmen #prehistoria #gorafe #parque #megalitismo #neolitico #edaddelbronce #granada #necropolis #enterramiento #ajuarfunerario #arquitectura #arquitecturafuneraria #arquitecturamegalitica #parquemegaliticodegorafe #desierto #andalucia #patrimoniocultural #yacimientoarqueológico #arqueología #senderismo #paisajedesertico #patrimonio
Segundo episodio de Termómetro Estético: medir e Segundo episodio de Termómetro Estético: medir el momento social y político según el arte y la moda. 

Los regímenes autoritarios suelen tener una estética sombría: líneas duras, estética militar, minimalismo, colores apagados, y sobre todo, es una estética única, en la que toda la sociedad debe seguir el modelo del líder y del partido. La expresión individual está prohibida y severamente castigada porque solo hay un modo de ser, y suele ser rígido y violento. 

#alemanianazi  #estética #años30 #moda #historia #historiasigloxx #sigloxx #segundaguerramundial #estéticamilitar #uniforme #hugoboss #leniriefenstahl #historiacontemporánea #dictadura #autoritarismo #historiadelarte #artepolítico #partidonazi #adolfhitler #richardwagner
¿Has pensado alguna vez que el arte, la moda y la ¿Has pensado alguna vez que el arte, la moda y la estética de cada época son un auténtico termómetro social y político? Sólo hay que fijarse en el diseño del momento para entender el mensaje político que hay detrás. Aquí un ejemplo con los maravillosos años 20 👯‍♀️

#estética #moda #años20 #20s #flappers #locosaños20 #entreguerras #jazz #swing #vanguardiasartísticas #vanguardiashistóricas #historiadelarte #feminismo #liberaciónfemenina #sigloxx #historia #historiacontemporanea
“Casas cubo” (1978-1984), del arquitecto Piet “Casas cubo” (1978-1984), del arquitecto Piet Blom, en Rotterdam. La estructura por dentro es única, porque en la planta superior las paredes están totalmente inclinadas. Una parte del espacio se pierde, pero el resultado es bastante curioso. 

Me encantó este edificio. Me recordó a toda la arquitectura experimental de los 60, que jugaba con las formas y los colores. Me hizo pensar en que vivimos tiempos muy conservadores estéticamente hablando. Supongo que son dos cosas que van unidas: el ambiente político y la estética del momento. Los momentos de mayor rebeldía social y política (los 20, 60, 70 y 80) fueron acompañados de una estética igualmente rompedora. Y ahora estamos viviendo el efecto contrario en ciertos sentidos. No me imagino una barrio de casas así construido hoy en día.

¿Qué pensáis?

#arquitectura #70s #70saesthetic #70sdesign #arquitecturacontemporánea #rotterdam #cubehouses #pietblom #holanda #historiadelarte #artecontemporáneo #sigloXX #estética #estructuralismo #arquitectos
Seguir en Instagram

Entradas recientes

  • ¿Qué había en la paleta de Velázquez? Pigmentos comunes, resultados asombrosos
  • El color en la tabla periódica
  • Ocre: el primer pigmento
  • Entrevista al artista Rafael Blanco
  • 3 Materiales sorprendentes en la Historia del Arte

EducaLab en Pinterest

©2025 EducaLab | Powered by WordPress and Superb Themes!